“纪录电影要有灵魂，灵魂本身是简单的，同时又是复杂的。”在第20届（广州）国际纪录片节上，荷兰导演、制片人彼得－里姆·德克朗这样开篇大师课。

彼得－里姆·德克朗在1991年就开始拍摄新闻纪录片，他不断探索人和自然之间的关系，以此为基础创作了很多视觉冲击非常强的影片，获得过包括荷兰阿姆斯特丹国际纪录片在内的140多个国际电影节奖项。

在这堂大师课上，彼得播放了几段自然类纪录影片片段，无论是用17世纪佩尔沃姆岛的教堂管风琴来模仿潮汐的空间氛围感，还是用人声呼吸来衬托深海水母的律动，在座的业界观众都为之赞叹。

彼得－里姆·德克朗

从《舌尖上的中国》开始，越来越多的纪录片从业者开始认识到声音、原创音乐对于纪录片制作的重要性，业界得到了一个普遍共识，声音设计越早进入制作流程，越能更有效地达成预期。

“鸟的鸣叫声，风暴之前的自然之声……这些能让你从声音里感受到潜藏的活力，这个远比人为创造出来的音乐更加美妙。”

大多数纪录片创作者喜欢在画面上配上音乐和旁白，但彼得却任性地改变了这个方法，在讲述生态系统的《潮汐之寂》中，他认为，“呼吸”就是整部影片的主题和基调，无旁白，无音乐，自然之声、人声的进入，让画面看起来更加有趣。“我们通过这一呼一吸之间也传递出了影片的精髓和灵魂所在，在潮汐的呼吸之间，我们刻画出了整个瓦登海的环境。”

无独有偶，在12月7日，“声音——被忽视的力量”主题论坛上，嘉宾们一起深入讨论了声音导演的重要性、纪录片中声音的技术，从采集到呈现，原创音乐的必要性以及特色，导演如何有效地与音乐进行沟通，AI演唱人声的展示、纪录片配音审美趋向阐述，以及新技术给解说行业带来的影响等议题。

后期不是万能的，AI也不是

纪录片资深声音导演凌青率先用《风味人间》第四季中一段画面指出：后期并不是万能的。

他强调了在脚本阶段，声音导演就要和导演一起来策划声音的重点，要让导演知道哪一个场景无法再造，哪些重要的声音是前期和后期录音一起协同完成的。

《风味人间》第四季海报

“前期可以用强指向的话筒和无线话筒来录制，强指向的话筒可以用挑竿的方式来完成，因为局部的拍摄方式，挑竿就很容易实现”，凌青以《风味人间》举例说：“这个项目前期也首次采用了人头录音和杜比全景声制作，当时做了两个版本，一个是全景声版本，一个是双耳模式下的版本。拍摄前，我们也是要跟前期录音团队去沟通，主要讨论前期录音和后期声音怎么更好地搭配，怎么利用好前期的录音、人头立体话筒来做后期更好的声音捕捉。人头立体话筒的优势是能够捕捉到现场环境里的信息，给予更多的临场感。为了更多的声音细节，我们又额外增加了416和小蜜蜂话筒进行点声源的补充，这样我们在后期制作的时候，就可以根据场景对声音的空间感、细节进行调节。”

“声音被忽视的力量”这一场主题论坛人满为患，很多纪录片创作者甚至被挤到了大门外，很多人站着听完了整场论坛。

论坛现场，观众云集。

在一段植物破土生长的画面中，幼嫩的小芽被赋予了强劲的生命力，这源于声音导演利用了大量拟音。通过后期录制的，根据植物的变动、声调上都会有一个变化，高低不同，把植物生长的每次弯腰和挺背都做了一次升华。

凌青认为，声音导演必须要做功课，除了拉片碰撞，还要问一些想了解的话题：比如食物是什么样的味道？它是酸的还是臭的？等等，此后根据具体感受再去细化视听感。

比如，酸性的食物就会用一些刺激性的、有冲击力的音乐来展示。

《风味人间》第四季解说词是最少的，对于声音是否需要留白，也是讨论的焦点。凌青认为，一部好的片子，声音之间应该是互补的。

现今平台多元化，视频设备也多元化，更多人习惯在手机上看视频。纪录片的声音在手机端又该如何呈现？

“我们在手机终端会去做一些实验，外放和耳机听都会呈现什么效果，都会很细致地把这些环节全部考虑到。”凌青补充说。

他总结说，主创和团队在声音方面应该做哪些工作，第一，声音导演的早期介入，第二是工作流程的标准化，第三是前后期的紧密联系，第四是声音导演与导演之间的沟通和协作。

之后，音效师兼混音师史晗相为大家展示了AI修复后的地铁站录制的和楼道里录制的声音，修复之后，噪音和回声很明显都不见了，声音清晰而且扎实。但史晗相却认为，这种修复的状态，还是需要后期来补充一些环境声，因为它并不像录的采访环境那么真实了，“AI修复过的声音特别像重新找一个录音棚补录的。”

所以，想要有沉浸感的视听效果，声音设计不能偷懒，必须要头脑风暴。

“我们想让植物生长有它自己特殊的语言，电影《阿凡达》在拍摄的时候研发了一种语言，对植物来说，我们是否也可以研发一种它自己特殊的语言呢？最后，我们也是找了很多素材，这里面有很多声音是用史莱姆胶模拟出来的，我们通过很多拟人的手段来实现声音最终呈现的效果。在《风味人间》第四季预告片的时候，我们也把谷物做出了一种星球大战的感觉。”此外，史晗相还提到，在为动物纪录片做拟音时的一些小技巧。

《风味人间4》的监制，前两季的制片人朱乐贤回忆起最折磨声音导演的内容，印象最深的就是如何表现南方人吃螺蛳。

螺蛳那么小，怎么办呢？但一定要通过声音的塑造来营造食物的力。

“我们当时花了很多钱建了一个专业的全景声的棚来做《风味人间1》，当时也是希望有一些突破，声音的突破是重要的一部分。全景声的制作带来一个新的挑战，因为它比一般立体声的制作可能要花费的时间多三倍，可能很多团队如果经费不充足，是无法做的。”

如何快速找到自己影片的原创音乐风格

国内版权音乐缺乏整体化、统一化。在2000年左右，国内并不重视原创音乐版权化，观众常常能在很多片子里听到坂本龙一的音乐。谈到原创音乐的重要性，音乐制作人刘颖从实操的角度为现场观众分享了自己的创作体验。

在央视综艺节目《中国考古大会》的主题曲接近结尾的地方有一个高音非常尖利、音色明亮的乐器，那个乐器是世界上最古老的乐器——骨笛。骨笛成为了这首主题曲的镇曲之宝。

之所以选择骨笛，刘颖解释说，从内容上，符合了考古这种非常久远的巨大的历史维度，从时间上，它也可以作为这首曲子的特色乐器。电吉他是在部分演奏的主旋律，一中一西两个一结合，达到兼具国风、摇滚、电子的融合性的音乐风格。

论坛现场

在另外一部《寻古中国》的原创音乐当中，有一首叫《神秘酷》的音乐，主奏乐器大阮模仿贝斯的演奏方法，中西合璧的味道也出来了。

“音乐创作不仅要跟导演沟通，跟舞美、灯光、色调都要沟通，所有内容一起决定了作曲的方向、定位，音乐在初创意的阶段，旋律设计，配器风格，段落结构的设计，这些都是要考虑到的，然后MID制作与编曲的沟通，还有后期的乐器选择、演奏人员、录音师、混音师的沟通等等，一首乐曲的诞生真的是很多人的心血。”刘颖说道。

除了音乐，旁白也是纪录片的关键一环，解说词在中国纪录片中占有举足轻重的地位。随着网生纪录片的蓬勃发展，有“网感”的声音逐渐成为导演们趋之若鹜的声音。

中生代配音朗诵艺术家周扬是央视大型纪录片的御用配音，你能在《厉害了，我的国》《互联网时代》《山海经奇》《一路百年》等多部纪录片中听到他的声音，他配音演播的作品也多次获得国内外及中央电视台奖项。他觉得导演近期对他“越来越折磨了”，在配音上总是求新求变。

“最主要的一个要求，你不要播音腔，要朴素、自然、真诚，朴素、自然、真诚也是我这么多年创作坚持的一个法宝，但对我们从业者来讲挺难的。”周扬说，“《人生一串》出圈之后，很多美食节目就让我们去配那种声音，‘你们家有串吗？’，我说这真没法弄，这要抽多少烟、喝多少酒、去过多少次KTV才能熏成这个嗓子，我们真的做不到，但从中能感受到这个时代的诉求，他希望你的声音和表达更真一些，更朴质一些。”

《人生一串》第四季海报

业界普遍的观点是，旁白不应该是一个打扰作品的人，声音气质和作品气质必须高度一致。创作的过程就是和观众共情的过程。

周扬认为，解说员也需要会讲故事，同时他也是能够准确地传达信息、态度和基调的人，他是拥有导演视角的人。

现场，曾多次获得艾美奖的制片人伊莎贝尔·丽娃向大家分享介绍了目前世界上最先进的AI工具：人声合成，输入文本和关键词可以迅速自动合成音乐，调整乐器和音色，创作者可以有自己的编码，可以打造自己的案例...…

对于自己是否会被AI取代，周扬坚定地说，“我不怕”，“我录完一个片，我跟闫东老师还可以喝点，机器能吗？”

周扬坦言，与其过分恐惧，不如好好优化自身。他认为未来可能是百分之五六十声音的配音被取代，但是还是有三四十的可能性。“我们就做那三四十就可以了，曾经有一个导演没有用机器而是选择了我，我问他为什么，他说每次你录完之后，能给我们一些意想不到的新东西，也就是一定要把配音演员当作一个创作者，要跟他一起来创作。”

广东广播电视台、广东卫视频道副总监王世军也持有同样的观点：“以后AI很有可能在剪辑、配音、音乐，在很多方面会取代人，它能满足基础的要求，剩下的20%，和今天论坛的核心有关，就是情感。声音是有情感的。”

谈到解说词的创作体验，周扬最后总结说，“我希望我的力量是可以被忽视的，就像一块糖溶化在水里，你喝到的是甜水，而没有想过这个糖，我也希望我是水，给我什么容器，我就变成什么样子。”

想象力是电影生产的第一推动力，在声音的创造部分也不例外。不管新技术会发展成什么样子，大家都认为，纪录片创作者的初心、想象力、情感缺一不可。